¿Por dónde empezar una historia de la música electrónica y el sintetizador? La visión popular y algo fácil es que ambos están entrelazados, que la música electrónica comenzó con la invención del sintetizador y su uso en los años 60 y 70. Pero en realidad la manipulación sintética del sonido y las máquinas que la realizaron se remontan a tiempos más remotos. Mucho más lejos.
De hecho, tanto la experimentación con el sonido como algunos manipuladores sonoros extraños y maravillosos se remontan a cientos de años. Vale, la diversión empezó realmente cuando la gente empezó a grabar y publicar los resultados hace unas décadas –por no hablar de hacer registros precisos de las máquinas que crearon–, pero antes de llegar a los años 60, hay un par de cientos de años que cubrir (aunque brevemente), incluidas algunas afirmaciones para discutir, algunas para descartar y algunas otras que son simplemente, bueno, impactantes… de todas las maneras equivocadas.
¿El comienzo?
Si nos remontamos al pasado, podemos afirmar que el hermoso Dionisio Dorado fue muy posiblemente el primer instrumento musical eléctrico. Fue ‘construido’ por el investigador eléctrico checo Václav Prokop Diviš en 1748, quien afirmó poder recrear sonidos de cuerdas y viento con él.
Notarás que decimos ‘afirmó’ y ‘muy posiblemente’, por lo que, como decimos, podría ser mejor avanzar hacia un terreno histórico más firme, más de un siglo después, cuando, como mínimo, algunas de las afirmaciones estaban justificadas y registradas. (También notaremos que otros relatos de la época afirman que el instrumento aplicaba descargas eléctricas a sus usuarios… ¡así que no estamos hablando exactamente de plug ‘n’ play!)
Para ello, avanzamos hasta finales del siglo XIX y la Electromecánica de Matthaüs Hipp Piano, que activaba el sonido activando imanes eléctricos con un teclado. Existen registros aún mejores sobre el Telharmonium, desarrollado al mismo tiempo por Thaddeus Cahill, un instrumento no sólo capaz de alterar o incluso sintetizar sonido, sino también de difundirlo a través de la red telefónica recién creada. (Por lo tanto, este instrumento no sólo puede pretender ser el primer sintetizador sino también el primero en utilizar una forma temprana de Internet. Más o menos.)
Mientras tanto, a finales del siglo XIX, también se sabe que Elisha Gray inventó (casi) accidentalmente el oscilador de sintetizador mientras desarrollaba un prototipo de teléfono a finales del siglo XIX. Pero si crees que es una historia compleja en esta época, espera hasta el próximo siglo…
El Sound Synthesiser no sólo fue el primer instrumento en reclamar el nombre ‘synth’, sino que utilizó matices e incluso filtrado básico en la creación de sonidos –algunos de los ingredientes sonoros importantes que todavía se utilizan hoy en día. Así que ahora parece que hemos llegado a los albores de la música electrónica, cuando la manipulación artificial del sonido –posiblemente la definición misma del género– se convierte en una realidad.
A medida que avanzamos en el siglo, estuvo Ivor Darreg quien, en las décadas de 1930 y 1940, diseñó instrumentos llamados Teclado electrónico Oboe y tambor de teclado eléctrico, que podrían presumir de ser los primeros instrumentos eléctricos destinados específicamente a la música.
Y a medida que profundizamos, otros instrumentos importantes incluyeron el Trautonium de la década de 1930, fabricado por Freidrich Trautwein y luego mejorado para convertirse en el Mixturtrautonium posterior a la Segunda Guerra Mundial por Oskar Sala. Utilizando lo que se llamó una técnica ‘subarmónica’ de creación de sonido, esto permitió mezclar, combinar y modular señales con controles como modeladores de envolvente y cambiadores de frecuencia que luego se volverían comunes en los sintetizadores sustractivos.
En la década de 1950 prevalecieron dos corrientes opuestas: el movimiento experimental y altamente artístico Musique Concrète ayudó a llevar la música electrónica en nuevas direcciones, creando géneros musicales completamente nuevos casi sin saberlo.
Mientras tanto, en el extremo ‘establecido’ de las cosas, RCA construyó una sala llena de electrónica –en parte por razones posiblemente turbias de tiempos de guerra–, pero al hacerlo, finalmente se le ocurrió algo llamado Sintetizador de Música Electrónica Mk1.
Esto terminó siendo casi como un secuenciador en su capacidad –podías definir el timbre de las notas, los volúmenes, los sobres, etc.– pero en realidad estaba destinado a producir una fórmula para los éxitos, una especie de robot Stock Aitken & Waterman de su época.
Afortunadamente, este concepto se abandonó, pero se aprovechó la idea de crear sonido electrónicamente y se desarrolló una versión Mk2 en el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton, que se utilizó para ayudar a crear música como Time’s Encomium de Charles Wuorinen, que finalmente ganó el Premio Pulitzer de música.
El theremin
El Theremin de la década de 1920 es un dispositivo único en la creación de música electrónica, no tanto utilizado para crear sonidos, sino para interpretarlos. Vale, su tono inquietante es un poco único, pero ha reivindicado su papel en la historia de la música –particularmente en las primeras melodías de ciencia ficción y de los Beach Boys– en gran medida gracias a este tono bastante atmosférico y a la forma en que se produce.
Un intérprete puede alterar el tono y el volumen del sonido simplemente moviendo la mano hacia arriba y hacia abajo y alejándola del dispositivo. La historia detrás de su invención y popularidad parece sacada de una película y merece su propio libro.
Por fascinante que sea, esta historia sigue un curso diferente al del sintetizador (casi, de hecho, en una dimensión paralela), aunque, al igual que el sintetizador, ahora puedes crear el sonido del Theremin en software y también hay versiones de hardware actualizadas, en particular el Moog Theremini.
Música concreta
El concepto de musique concrète es importante en la historia de la producción de música electrónica, sobre todo porque hizo que la gente pensara y compusiera por caminos muy diferentes en comparación con el uso de notas, timbres y escalas tradicionales.
\Inicialmente popularizado por Pierre Schaeffer a mediados del siglo XX, cuyo trabajo conduciría a la formación del Groupe de Recherches de Musique Concrète y el Groupe de Recherches Musicales, atraería a artistas como Pierre Boulez, Pierre Henry, Karlheinz Stockhausen e Iannis Xenakis para componer obras utilizando el sonido encontrado y un enfoque más constructivo de la creación musical.
Stockhausen y Boulez también utilizarían principios de azar en la composición, algo también adoptado por artistas como John Cage (quien también dio vuelta toda la filosofía experimental de la música concreta –o sus fundamentos– al lanzar una grabación de 4 minutos y 33 segundos de silencio. Bueno, ¿por qué no?).
Musique concrète eventualmente adoptaría la tecnología y se inspiraría en ella, y su influencia se filtraría en la música popular a través de Frank Zappa Los Beatles y Pink Floyd, con el elemento casual también adoptado y adaptado por Brian Eno con su enfoque de composición Oblique Strategies.
Eno también llevaría la filosofía concrète a algunos de sus primeros álbumes como On Land, lo que dio lugar al término ‘música ambiental’, que, si bien tenía sus raíces en gran medida en los sonidos y atmósferas encontrados en estos primeros álbumes, eventualmente se desviaría con bastante calma y belleza para crear subgéneros de música electrónica relajada propios.
Además de sus influencias musicales, incluso se puede argumentar que la música concreta va mucho más allá, influyendo en gran parte de la tecnología musical real que ha surgido desde los años 70 – muchas de las técnicas de síntesis, DSP y muestreo tienen una deuda mucho mayor con la filosofía de la música concreta y su enfoque sin restricciones para la manipulación y el procesamiento del sonido.
¡A la música, los años 60!
A principios de la década de 1960, la verdadera historia del sintetizador comienza realmente en serio. Paul Ketoff era ingeniero en RCA, por lo que sabía un par de cosas sobre síntesis gracias a sus primeros experimentos. Diseñó un instrumento llamado Syn-Ket en 1962 para el compositor estadounidense John Eaton. Sin embargo, no estaba disponible comercialmente –a pesar de haber sido utilizado por Ennio Morricone para las bandas sonoras de sus películas– y se necesitarían dos hombres, Don Buchla y Robert Moog, para llevar el sintetizador a las masas.
En la década de 1960, los componentes electrónicos comenzaban a ser más pequeños y mucho más asequibles, por lo que ya no se necesitaba una habitación del tamaño de RCA para albergar una supercomputadora capaz de crear y manipular sonido. La música electrónica bien podría haber estado apenas en sus inicios en esta década, pero estaba a punto de convertirse en algo común, con un puñado de compositores populares y uno o dos nuevos instrumentos de sintetizador selectos.
Buchla y Moog deben tomar los créditos aquí y ser elogiados como los padrinos del sintetizador moderno y de la música misma. En la década de 1960, ambos desarrollaron por separado sistemas de sintetizadores modulares controlados por voltaje‑ que, aunque todavía costosos, lograron llegar al alcance de algunos de los grandes nombres musicales de la época.
Los Beatles, Frank Zappa y The Beach Boys incursionaron en los primeros sintetizadores, aunque quizás la primera pieza electrónica pura y total –un álbum entero, en realidad– llegó a través de Wendy Carlos, cuyo Switched-On Bach recreó piezas de Johann Sebastian Bach a través de uno de los sintetizadores modulares de Bob Moog. Ahora realmente estábamos empezando a hacer vibrar los circuitos a lo grande.
A finales de los años 60, otros artistas se dieron cuenta de la idea de Moogs y Buchlas. La primera formación de Kraftwerk, conocida como Organisation, y otras bandas alemanas de rock pre-Kraut, estaban disfrutando de una fase más psicodélica, pero ahora estaban entre las primeras personas en adoptar Moogs y cambiarían el curso de la historia de la música a medida que avanzábamos hacia la década de 1970.
Raymond Scott
Raymond Scott ha sido descrito como la ‘versión de audio de Andy Warhol’ pero se ha mantenido en gran medida detrás de escena de la historia de la música electrónica. Fue compositor y tecnólogo, y si bien obtuvo licencias para su música en dibujos animados, películas y musicales, quizás su investigación electrónica sea su mayor legado.
Fue una de las primeras personas a las que se les ocurrió la idea de secuenciar notas juntas, con una máquina capaz de producir tonos. Inventó el Electronium durante los años 60, un dispositivo envuelto en misterio, pero era una combinación de sintetizador y productor musical generativo – quizás la primera estación de trabajo, pero casi con certeza uno de los primeros sintetizadores de teclado.
Scott y Bob Moog también trabajaron juntos y este último –ahora ampliamente considerado como el padrino de la música sintetizada– citó a Scott como una de sus mayores influencias. Google lanzó un excelente guía de música electrónica el año pasado eso le da a Scott el espacio que sin duda merece en su historia.
Progreso al pop
Tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, el rock estaba tomando un giro más progresivo y pronto teclistas como Keith Emerson, Rick Wakeman y Geoff Downs se convirtieron en los primeros en adoptar sintetizadores, aunque en lugar de crear nuevos sonidos electrónicos, preferían emular los existentes y tocar solos largos –quizás demasiado largos– con ellos.
Wendy Carlos mantenía el lado más clásico de la música electrónica con el tema de la famosa película de Kubrick de 1971 La naranja mecánica, pero en 1974, Kraftwerk finalmente reunió sus sintetizadores para crear una de las pistas definitorias, o mejor dicho, álbumes, del género.
Autobahn era su nombre y la canción principal era diferente en muchos niveles. Era casi en su totalidad electrónico –salvo alguna flauta y guitarra–, también utilizaba vocoding, percusión electrónica y, por supuesto, sintetizadores, sin mencionar que duraba más de 22 minutos. Tal vez sólo la música electrónica como género podría ser anunciada con un álbum de versiones de canciones de Bach y una melodía sobre una autopista, pero como fuerza musical, llegó para quedarse.
Jean Michel Jarre
Jean-Michel Jarre debió sentirse bastante solo en los años 70. Mientras Emerson, Wakeman y Downs tocaban sintetizadores como magos del teclado cubiertos de batas, y las entrañas ’de League y Cabs exploraban las máquinas’ como científicos, Jarre solo quería crear música de sintetizador pura, con melodías exuberantes, acordes y melodías memorables; nada demasiado experimental, pero nada demasiado improvisado. Quería utilizar la secuenciación temprana y quería ser popular sin el pop y con el álbum Oxigeno, ciertamente consiguió lo que deseaba.
Esta grabación de obra maestra y la Oxigeno soltero (parte IV), fueron su introducción a las grandes ligas. Grabado con, entre otros clásicos, un VCS3, ARP 2600, Eminent 310 y Korg Mini Pops en la cocina de Jarre(!) se erige como uno de los álbumes definitorios de la música electrónica, pero en realidad existe en una única categoría marcada ‘Jarre’. Hay bandas sonoras de Vangelis ’y Wendy Carlos’, sí, y hay música de sintetizador popular, pero luego está el enigmático compositor francés atrapado en algún punto intermedio. O, de hecho, en cualquier otro lugar.
Ahora se mueve entre bandas sonoras y EDM (ver sus colaboraciones mucho posteriores), todavía tiene discos exitosos, puede tocar para millones de personas en conciertos al aire libre ridículamente grandes. ¡Utiliza un ‘arpa láser’ ferchristsake!
Sí, Jean-Michel Jarre, con su adopción de todas las tecnologías, antiguas, nuevas y posiblemente ni siquiera inventadas, y su capacidad para incursionar en casi todos los géneros electrónicos, es, muy probablemente, el músico de sintetizador por excelencia. Está fuera de lugar en el tiempo, tanto física como musicalmente, pero ciertamente merece su propio capítulo (o al menos, esta caja por ahora) en la historia de la música electrónica. En realidad, toda música, vamos a eso. Una verdadera leyenda de la música sintetizada.
Nacido en el Reino Unido
A medida que avanzaban los años 70, el Reino Unido comenzó a desempeñar un papel cada vez más importante en el desarrollo de la música sintetizada. Kraftwerk había lanzado el guante en Alemania, sin duda, pero Brian Eno ya se estaba burlando de sus compañeros teclistas de rock progresivo, experimentando con sintetizadores y creando texturas de sonido encontrado en el estudio.
Era loco, glamoroso, serio y ‘extraño’, y llevaría a Roxy Music a las listas de éxitos, a Bowie por caminos oblicuos y electrónicos con su trío de álbumes de Berlín, e inventaría la música ambiental tal como la conocemos, y todo en el espacio de solo unos pocos años en esta década.
Mientras tanto, un hecho poco conocido en la historia de la música electrónica es que parte de su mayor desarrollo en los años 70 no se debió a los avances en la tecnología de sintetizadores ni a la extravagante creatividad de sus músicos, sino a la formación de un taller juvenil en Sheffield llamado Meatwhistle.
Aquí se unieron (finalmente) no una sino cuatro bandas influyentes. Los jóvenes locales de Sheffield con una visión más creativa fueron alentados en casi todos los aspectos de la música y la interpretación, inspirándose unos a otros y dando como resultado –en mayor o menor medida– la formación de Clock DVA, Cabaret Voltaire, The Human League y Heaven 17.
Los dos primeros álbumes de League ahora se consideran dos obras maestras electrónicas, producidas por una versión distópica fría de la banda que más tarde gobernaría las listas de éxitos del pop en los años 80, pero cuya influencia de finales de los 70 ciertamente llegaría a otros artistas, si no tanto al público comprador de discos.
Mientras tanto, The Cabs fueron el grupo de electrónica punk de Sheffield, poniendo el acero en Sheffield y, junto con Clock DVA, ahora son vistos no solo como influyentes sino también como sentadores de las bases para los principales sellos electrónicos que vendrían después, incluido el poderoso Warp Records de Sheffield.
¡La versión Mk1 de Ultravox! También fueron los primeros en adoptar el sintetizador en los años 70, en particular un ARP Odyssey, una de las máquinas clásicas de esa década. Esta brigada de estudiantes de arte liderada por John Foxx pasó del glam de Roxy a la electrónica de rock en el espacio de tres álbumes y un corto espacio de tiempo, pero fue lo suficientemente largo no solo para impulsar a Foxx a una carrera en solitario que produciría uno de los mejores álbumes de electrónica pura de todos los tiempos (Metamatic), sino que también influiría en un tal Gary Webb. Y fue este joven quien, a finales de la década, sacaría la música electrónica del taller de teatro y la llevaría al escenario teatral.
¡Es popular!
Gary, ahora Numan, fue un punk rockero en sus años de formación, pero en un momento que está a la altura de la historia de la música electrónica con Kraftwerk conduciendo por una autopista por primera vez, un día entró en un estudio para grabar un álbum de guitarra punk y encontró un sintetizador Moog ya encendido presionó una nota y se conmovió tanto que abandonó todas las guitarras de su siguiente álbum y las reemplazó con sintetizadores.
Lo cual, como dicen, estuvo bien. Después de lanzar la canción Are ‘Friends’ Electric? De repente tuvimos el synth pop como género, con todos sorprendidos en acción –entre ellos el propio Numan– por esta nueva fuerza en la música.
Hasta entonces, la música que utilizaba sintetizadores era novedosa (ver Pop Corn de Hot Butter), con banda sonora (ver Wendy Carlos), novedosa y con banda sonora (ver Jean-Michel Jarre) o Kraftwerk (ver Kraftwerk). Ahora era popular, muy popular, y era británico. Principalmente. Tenía melodías pegadizas, tenía voces, tenía canciones. Era pop. ¡Sintetizador pop!
Los años del pop
La bola de bolos de Numan de una canción de sintetizador, Are ‘Friends’ Electric? marcaría el comienzo de la década del synth pop, pero mientras él se llevaba la gloria, otras bandas de sintetizadores escupían sangre. El OMD de Liverpool ya estaba produciendo increíbles melodías de sintetizador, utilizando teclados baratos y de mala calidad y un caja de ritmos llamado Winston.
Por más celosos que hayan admitido de Numan, su éxito abrió la puerta a una serie de sencillos exitosos para ellos y muchos otros, y ellos, a su vez, influyeron en otro ícono de la música electrónica, que merece no uno, sino posiblemente tres capítulos en la historia de EM.
Vince Clarke escuchaba los primeros lados B de OMD y se daba cuenta de que los sintetizadores eran el camino a seguir para sus composiciones formativas y, 40 años después, todavía está acumulando las máquinas para hacerlas.
En esas cuatro décadas, logró formar Depeche Mode, Yazoo y Erasure, y logró tener algún que otro disco exitoso con los tres. Vince es probablemente el escritor de synth pop más icónico que jamás conoceremos (Just Can’t Get Enough, Love To Hate You, Sometimes and Only You le hacen ganar ese galardón por sí solo), pero también es el más modesto.
Y después de botar el buen barco Depeche Mode, se deslizó a través de la pasarela antes de que realmente comenzara su viaje, dejando la capitanía (bueno, dejaremos esa analogía ahora) a Martin Gore. Y donde Vince puede reclamar los máximos honores del pop, Gore ciertamente puede reclamar el, bueno, gore. Su combinación de composiciones más pesimista pero enormemente edificante ha mantenido a Depeche en la cima del mundo durante cuatro décadas. ¿Existe una banda electrónica más exitosa?
Sin embargo, aunque podemos culpar a Numan, Human League, OMD, Clarke, Foxx y Jarre por llevar el sonido del sintetizador a las masas, también deberíamos darle algo de crédito a los fabricantes de las máquinas, porque si no hubiera sido por la dramática reducción en los precios de los equipos a fines de los años 70 y 80, esta década de synth pop no lo habría sido.
Los tres grandes jugadores japoneses de Roland, Yamaha y Korg intervino para robarle algo de protagonismo a jugadores mayoritariamente estadounidenses como Sequential, Oberheim, Moog y ARP; sus máquinas se balanceaban a precios bajísimos, así de simple. Los sintetizadores de las gamas Roland Juno y Jupiter, Korg MS, Mono y Poly dejaron su huella, pero fue el CS-80 de Yamaha el que se convirtió en el primer sintetizador en definir una o dos bandas sonoras.
Construido en los años 70, sí, este sintetizador fue utilizado ampliamente por el compositor griego Vangelis y fue la banda sonora de una película poco conocida sobre correr – Carros de fuego – pero, lo que es más importante (para geeks como nosotros), es la banda sonora de una película de ciencia ficción que definió una era y un género. Blade Runner tardó muchos años en cumplir su destino, y a través de muchas versiones diferentes, pero todas compartían Vangelis’ una banda sonora increíblemente fascinante, lo que no habría sido posible sin este monstruoso polisínto de Yamaha.
Por muy popular que fuera el trabajo de Vangelis’, en realidad no fue el pop lo que hizo el synth pop, y por eso podemos agradecer a todos, desde Blancmange hasta Pet Shop Boys, Eurythmics hasta Human League Mk2, a-ha hasta Soft Cell, Buggles hasta New Order y muchos (muchos) más. El synth pop fue enorme, pero sólo por un tiempo relativamente corto antes de que la tecnología cambiara el sonido y los gustos de la gente se alejaran de sus exuberantes raíces analógicas hacia un brillo más digital.
El synth pop perdió el brillo analógico y los años 80 dieron paso a la pompa, el rock, SAW y los tiempos oscuros. Sí, los nuevos sintetizadores digitales, también de los grandes músicos, vendidos por millones –el M1 de Korg, el DX7 de Yamaha y el D-50 de Roland cambiaron los números récord–, pero se usaron en gran medida para replicar sonidos ‘reales’ en lugar de los del apogeo analógico de la música electrónica.
Al final se necesitarían circunstancias completamente diferentes para que la música electrónica volviera a cobrar protagonismo. Y sería una versión y una visión completamente nuevas…
Música electrónica de baile
Es un término que ahora se ve con horror en algunos círculos de música dance, pero el original ‘música dance electrónica’, esos ritmos repetitivos a menudo ilegales que comenzaron a mediados y fines de los 80, fueron los salvadores del sonido electrónico.
Como muchos movimientos, y de hecho como nuestra historia de las máquinas de música sintetizada mencionadas anteriormente, hay muchas historias descabelladas sobre sus orígenes, pero se puede decir con seguridad que, si bien Kraftwerk tuvo cierta participación, los orígenes de la música de baile –como el rock ‘n’ roll anterior– fueron definitivamente negros y radicados en Estados Unidos.
La música disco de Nueva York, el house de Chicago, el hip-hop y el techno de Detroit fueron los sellos y artistas que lo abarcaron todo, como Afrika Bambaataa (hip-hop), Frankie Knuckles, Farley ‘Jackmaster’ Funk, DJ Jesse Saunders y Marshall Jefferson (casa), Phuture y Sleezy D (casa Acid), Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson (techno) y muchos más merecen pedestales poderosos.
Al igual que instrumentos como la línea de bajo Roland TB-303 y las cajas de ritmos TR-808 y 909. Roland no fabricó estos instrumentos para bailar, hay que subrayarlo – el 303 salió mucho antes del baile en 1983, diseñado como un bajo máquina de acompañamiento – pero los artistas mencionados anteriormente, y muchos más, encontraron estas cajas de ritmos y sintetizadores baratos y de segunda mano y abusaron de ellos para crear un género nuevo y que definiera el mundo (y muchos, muchos subgéneros).
Los ritmos y chillidos electrónicos que proporcionaba el equipo Roland eran una fuerza única. Bandas como New Order y Pet Shop Boys trajeron sonidos de baile de Estados Unidos a Europa y al público en general, y combinados con –también hay que señalar– las drogas de la época, ayudaron a que la música de baile se extendiera desde los suburbios de las ciudades estadounidenses a Ibiza, Manchester, Sheffield, Londres, Berlín y más allá. Los años 90 se convirtieron en la década que dio inicio a un millón de nuevos géneros de baile, sin mencionar un millón de productores a menudo improbables.
Increíble música electrónica de los 90
Los años 90 fueron geniales para la música electrónica de baile, por supuesto, pero también hubo otro movimiento de trip-hop de ritmo lento que tal vez no siempre haya sido de naturaleza tan electrónica – los samples vinieron de todas partes – pero su espíritu DIY ciertamente se inspiró en la electrónica. Además de los protagonistas más obvios – echa un vistazo a cualquier cosa de Massive Attack – podrás encontrar increíbles producciones de artistas como DJ Shadow, Air, Björk, Howie B, Laika, Lamb y muchos más.
En un enfoque más electrónico, vale la pena buscar prácticamente cualquier cosa de Underworld, Orbital, Pentatonik, Plaid, Moby, The Chemical Brothers y LFO de esta década, y Aphex Twin estaba en su estado de ánimo más prolífico, redefiniendo el ambiente, la jungla y todo lo demás. También hemos mencionado a Warp Records: simplemente echa un vistazo a su compilación de Inteligencia Artificial –que presenta a todos, desde Autechre hasta Alex Patterson de The Orb– para disfrutar de una hermosa porción de la vida underground de los 90.
Tecno sin rostro
En una ligera variación de la frase clásica, ‘si recuerdas los años 60, no estuviste allí’, se podría decir que ‘si te mantuviste al tanto de todos los géneros de baile que produjeron los años 90 y 2000, probablemente seas un sobrehumano’. Por BPM, la música dance pasó del dub al D&B, del trip-hop al happy hardcore.
Nada estaba fuera de los límites, cuanto más escandaloso o más rápido fuera el bpm, mejor. Hubo estrellas y éxitos mainstream – stand up Orbital, Prodigy, Leftfield y Massive Attack – pero de la gran mayoría de productores DIY, de los cuales había miles produciendo música a un precio relativamente barato, la mayoría no tenían rostro y desaparecieron tan rápido como tomó producir una canción, imprimir y vender 1.000 sellos blancos.
Hubo debates inútiles sobre cuál era mejor –somos puristas de la jungla, obviamente– y eventualmente la música de baile tendría que evolucionar, y algunos dirían disolver en algo completamente nuevo. Cambió incómodamente por su propio peso – y, por supuesto, por el dinero que se ganaba. Los DJ superestrellas nacieron y vivieron en jets privados y hasta el día de hoy levantan la mano y ajustan el volumen frente a decenas de miles… y cobran el cheque.
Irónicamente, el gran obstáculo era vender música electrónica a Estados Unidos, por lo que ‘electrónica’ y ‘EDM’ se convirtieron en las nuevas frases generales. Las nuevas estrellas fueron David Guetta, Skrillex, Calvin Harris, Tiësto y deadmau5. El sonido se volvió masivo, lleno de oscilaciones de dubstep y línea de bajo, bueno, bajo.
Y los sintetizadores se volvieron más duros… y más suaves. El apropiadamente llamado Massive, junto con Serum, se convirtieron en los sintetizadores más utilizados en la producción EM, ambos fabricados en software, pero ambos con un sonido tan grande como cualquier cosa fabricada con componentes electrónicos reales.
El siglo XXI
Nuestra historia se concentra en algunas de las principales direcciones que tomó la música electrónica en este siglo, como la música dance y el EDM, pero muchos otros artistas también merecen una mención y, por supuesto, hay muchos más actos underground que buscar.
Y la música electrónica en este siglo realmente cubre, como era de esperar, todo el espectro de la música, desde las inclinaciones más pop de The Killers, Future Islands y Chvrches hasta compositores experimentales como Jenny Hval, Boards of Canada y (al menos en algún momento) M83.
Luego están los productores que alguna vez fueron electrónicos y que han irrumpido en el mainstream: Jon Hopkins todavía es ampliamente considerado por sus trabajos electrónicos extremadamente dinámicos, al mismo tiempo que incursiona en melodías con Eno y Coldplay, mientras que William Orbit pasó de la electrónica Strange Cargo a los premios con Madonna – todo un viaje en el libro de cualquier músico electrónico.
Luego también hay muchos artistas que han vuelto a unir los puntos y han actualizado el sonido electrónico mientras hacen un guiño descarado a su pasado. Will Gregory y Goldfrapp ciertamente ayudaron a recuperar lo ‘analógico’ en sintetizador, LCD Soundsystem y Daft Punk tomaron elementos de todo lo electrónico y simplemente los hicieron geniales, mientras que Ulrich Schnauss ocasionalmente asintió con la cabeza hacia Tangerine Dream antes de convertirse en Tangerine Dream.
Finalmente, más de dos mil millones Spotify Las transmisiones no pueden estar equivocadas. Blinding Lights de The Weeknd es probablemente la melodía synth pop más destacada de los últimos años, habiendo sido número uno en todo el mundo y vendiendo tantas copias como cualquier canción de sintetizador. Lleva bien sus raíces de los 80 –esos riffs podrían haber venido de cualquier sencillo de a-ha u OMD– y demuestra que la música electrónica, en su forma más pura, está viva, bien y es tan popular como siempre.
Entonces, ¿dónde estamos ahora?
El siglo XXI no se ha tratado solo de graves potentes y EDM, pero mantenerse al tanto de cualquier música actual, especialmente dentro de un género tan amplio como la música electrónica, es a la vez desesperanzador y enormemente esperanzador; hay demasiado y algo para todos.
Puedes, si lo deseas, rastrear cualquier género –desde rock gótico electrónico hasta dub ambiental ‘n’ bass, chiptune techno hasta synth pop modular– en cualquiera de los muchos servicios de transmisión que existen (está bien, no los hemos probado, pero entiendes el punto).
La música electrónica y sintetizada se utiliza ahora en todas partes: desde losas de pura alegría pop (¿Alguien recuerda a The Weeknd?) a bandas sonoras abrasadoras, desde temas retro (Stranger Things, obviamente) hasta paisajes sonoros experimentales en videojuegos, y desde post-rock hasta rock y pop genéricos. De hecho, se podría argumentar con estos últimos géneros que hoy en día toda la música es sintética – después de todo, generalmente se crea artificialmente dentro de las computadoras, pero no abramos esa caja de Pandora en particular.
Y todo este tipo de música existe porque cualquier productor puede publicar su música en este entorno de bricolaje. Tenemos innumerables herramientas a nuestra disposición para crear música – hay un capítulo entero sobre el que escribir Paquete europeo sintetizadores, por ejemplo – y es más fácil que nunca hacerlo. Puedes conseguir un estudio de grabación completo en una Mac, PC, tableta o incluso un teléfono; la música se puede hacer literalmente en cualquier lugar y lanzarse en casi cualquier cosa.
Pero las alegrías de lanzar tu propia música, sin las limitaciones de necesitar más un contrato discográfico, se ven atenuadas por el hecho de que, irónicamente, hay menos grandes compañías discográficas y medios de comunicación tradicionales que filtran la enorme –y queremos decir enorme– cantidad de música que existe. Es un mar de ruido, pero también es uno por el que puedes navegar.
La música electrónica y las historias de los sintetizadores son tan complejas como la definición de los géneros que han producido, pero esa es también su belleza y atractivo. La búsqueda es tan sorprendente como el descubrimiento, con más artistas, incluido usted mismo, utilizando sintetizadores y creando y distribuyendo música en plataformas, a un público más amplio que nunca.
